ESFERA CON SOMBRA

El objetivo de esta actividad tiene el proposito de aprender una nueva tecnica a mano alzada en este caso es el sombreado de una esfera por medio de "X".


Para esto poderlo hacer posoble primero tomamos una fotagrafia a una esfera en una base blanca en un lugar con poca luz y lo alumbramos con una lampara en diferentes puntos de nuestra esfera.  

Ya con la fotografia de nuestra esfera comenzamos a plasmarla en un 1/4 de papel mantequilla haciendo uso de nuestros lapices correctos en este caso ocupamos "HB" Y "2H" para el sombreado de la esfera. Despues apoyandonos con la fotografia comenzamos a hacer el sombreado con la tecnica de usar la "X" y darle forma y sombreado a nuestra esfera. Para asi poder aprender como aplicar la sombra a nuestros trazos y asi poder ir mejorando. 

La actividad me agrado mucho al poder aprender nuevas tecnicas para despues irlas empleando mas adelante en mis trazos , en este caso fue la del sombreado. Me senti muy satisfecha con mi trabajo obtenido y asi seguir mejorando y aprendiendo para futuro pues se nececita desaprender para aprender. 

COMPOSICION Y DEFORMACION DE VASOS (CILINDROS)

El objetivo de esta actividad es hacer una deformación y composición de vasos (cilindros) con la finalidad de que unos pasen  encima  y detrás de otros  a partir de trazar lineas curvas y círculos dándoles forma para convertirlos a vasos  deformados todo con la técnica a mano alzada.  


En un 1/8 de papel mantequilla comenzamos hacer uso de nuestras herramientas de trabajo en este caso iniciamos a trazar con un lapiz "H", comenzamos hacer varias circunferencias pero todas ellas iban ubicadas en diferentes puntos algunas eran ovaladas otras iban curviadas trazamos varias circunferencias en difente orden. Despues a todas esas las unimos con lineas curvas asta obtener la composicion de nuestros vasos deformados (cilindros). Al tener ya los vasos los remarcamos con un lapiz mas fuerte en este caso ocupamos un "HB"  para que darle forma y para dar ese aspecto de las mangueras una sobre otra o unas detras de otras. 


   

En la primera lamina comence a hacer los vasos deformados pero viendo mis resultados no  solo me quede satisfecha con una lamina asi que hice las necesarias que me ayudaron mucho para mejorara mis trazos a mano alzada y la calidad de linea. 


Al realizar esta actividad me agrado el poder trazar cilindros a mano alzada sin ningun orden ya que los vasos eran deformados y quedaban encima de otros o detras. 
Me senti muy satisfecha con  mi trabajo obtenido y al aprender a deformar vasos (cilindros). No me importo cuantas laminas tuve que hacer, pues hice las necesarias que a mi me favorecieron para mi trazo y aprendisaje.

COMPOSICION Y SOMBREADO DE CILINDROS

El objetivo de esta actividad es poder realizar cilindros doblados por debabajo  y abajo , penetrados por ellos mismos desarrollando nuevas tecnicas de trabajo para  nuestro aprendizaje y mejorar nuestros trazos.




En un 1/4 de papel mantequilla comenzamos trazando circunferencias y lineas curvas las cuales formaron cilindros, estas qudaron debajo y abajo de unas con otras dando el aspecto de ser penetradas por ellas mismas. Despues utilizamos una tecnica que fue la del sobreado, comenzamos a darle sobra a nuestros cilindros con un lapiz "H" en forma de "X". 

Al realizar esta actividad me agrado al poder realizar otra tecnicas para el dibujo en esta caso el sombreado con los cilindros, me senti satisfecha con el trabajo obtenido y al poder seguir aprendiendo tecnicas nuevas y seguir mejorando en los trazos.

CUBO PENETRADO POR UN PRISMA

El objetivo de esta actividad es armar un cubo siendo penetrado  por un prisma rectangular utilizando papel bateria grueso y aplicando lo aprendido al realizar los cortes en el papel y asi poder obtener un cubo penetrado. 




Primero comenzamos midiendo en el papel bateria las caras de los prismas del cubo y el prisma rectangular las cuales del cubo fueron las medidas de 10x 10 cm y del prisma rectangular 4x 17 cm. Ya obtenidas las caras lo pegamos y penetramos el prisma haciendo que saliera de ambos lados del cubo. 

Esta actividad me agrado al poder armar un cubo y ser penetrado por un prisma, pero tambien se me dificulto un poco al cortar ya que el papel bateria era un poco grueso y eso tambien me afecto al pegarlo. Por otra parte me ayudo en aprender a armar cosas nuevas y seguir aprendiendo tecnicas para mas adelante. 

ESTRUCTURA A BASE DE CUBOS

El objetivo de esta actividad es armar una estructura con cubos de 1 cm de papel bateria obtenidos al realizar el tapete de papel bateria delgado y asi plasmar nuestras ideas e imagicion en una estructura. 

Al realizar esta actividad me agrado mucho al poder representar mis ideas en una estructura y asi seguir mejorando en armar e innovar cosas nuevas. 

COMPOSICIONES PUNTOS 1

El objetivo de esta actividad es poder realizar  diferentes composiciones de un punto basado con lo aprendido en clase.



 En cuadros de papel bond de 23x23 empesamos a plasmar con ayuda de un plumon negro  nuestros puntos basados en los conceptos:  

• posicion
• tamaño/ profundidad
• tension
• fusion 
• conexion   

Mi autoevalucion fue buena ami parecer ya que cumplia con los conceptos dados en clase y con los puntos de evaluacion, asi que me senti satisfecha con mi trabajo obtenido.

COMPOSICIONES PÙNTOS 2

El objetivo de esta actividad es realizar diferentes composiciones de puntos comprendiendo lo explicado en clase. 


En un cuadro de papel bond de 23x23 comenzamos a plasmar las diferentes composiciones de puntos ya basado con lo que vimos en clase para reforzar y comprender mas acerca de las composiciones. 

•  posicion-direccion-fusion
• profundidad-equilibrio-direccion
• jerarquia
• dispersion
• concentracion

En la coevaluacion me senti satisfecha con lo que habia logrado ya que por una parte con las composiciones de punto que hice puse muchos puntos y esto hiso que se confundieran un poco y no se pudieran apresiar bien las composiciones.

Esta actividad me agrado al reforzar y complementar mas, ya lo aprendido en clase para asi mas adelante no confundirme con los conceptos y seguir comprendiendo. 

MARIO PANI

Mario Pani Darqui fue un arquitecto y urbanista mexicano. Gran promotor del funcionalismo y el estilo internacional en sus obras, así como de las ideas de Le Corbusier en México. Su legado abarca 136 proyectos en los que abordó todas las tipologías: viviendas, escuelas, edificios públicos, hospitales, hoteles, oficinas, edificios comerciales, aeropuertos, planes urbanos. El archivo de su legado reside en la Biblioteca Cervantina del Tecnológico de Monterrey. 

Buena parte de las innovaciones urbanas y arquitectónicas de mitad de siglo XX en México llevan el sello de Mario Pani. Personaje capaz de inventar cada frase de una prolífica trayectoria, su lucidez y convicción le permitieron llevar a cabo el primer hotel internacional de México, el primer multifamiliar, el primer condominio, la primera ciudad satélite.

Fue el cuarto hijo del matrimonio del ingeniero y político Arturo Pani Arteaga y de Dolores Darqui, hija del empresario minero Manuel Darqui, hombre allegado a Porfirio Díaz. Fue sobrino del ingeniero y también político Alberto J. Pani, personaje importante de la época post revolucionaria y que realizó obras de infraestructura hidráulica al término de la revolución. También fue descendiente del general Jesús Terán, ministro de Relaciones Exteriores durante el gobierno de Ignacio Comonfort.

Pani llevó a cabo sus estudios de primaria tanto en la Ciudad de México, como en Italia, y los secundarios y preparatorios en el Liceo Janson de Sailly, de París. La carrera de arquitecto la realizó en la Escuela Nacional de Bellas Artes de París,Francia; en junio de 1934 obtuvo su título, el cuál fue revalidado en octubre del mismo año por la Universidad Nacional Autónoma de México. Fue fundador del Colegio de Arquitectos de México (1946) y de la revista Arquitectura (posteriormente llamada "Arquitectura México") (1948), la cual publicó la obra de arquitectos como Augusto H. Álvarez, Juan O'Gorman, José Villagrán García, Vladimir Kaspé y Mathias Goeritz. La revista fue publicada por más de cuarenta años, en 119 números, teniendo una enorme influencia en la arquitectura mexicana del siglo XX.

Importó las tendencias más novedosas de la primera mitad del siglo XX y dio forma a una buena parte de la fisonomía urbana de la Ciudad de México, con edificios emblemáticos y característicos de dicha urbe como la Ciudad Universitaria de la UNAM, el Conjunto Urbano Nonoalco Tlatelolco, la Escuela Normal Superior, el Conservatorio Nacional de Música y diversos multifamiliares.

Los problemas de urbanismo y planificación le absorbieron considerablemente, pues desde 1945 elaboró un vasto proyecto para el Crucero de Reforma-Insurgentes del cual sólo se concretó el Hotel Plaza. En su taller de urbanismo que abrió en 1948 junto con el arquitecto José Luis Cuevas se trazaron, entre otros proyectos de magnitud, los de la planificación de la zona sur-oriente de la Ciudad de México, la industrial de Guadalajara, Jalisco, la regional de Acapulco, Guerrero, y el de la región henequenera de Yucatán. Compartiendo responsabilidad con el arquitecto Enrique Del Moral, tuvo a su cargo la planificación general y proyecto de conjunto de la Ciudad Universitaria de la UNAM.

Pani fue un gran innovador de la morfología urbana de la Ciudad de México y construyó en la mayor parte de ella, desarrollando y participando en los planes urbanísticos más ambiciosos e importantes del siglo XX en México, como Ciudad Satélite (que diseñó junto con Domingo García Ramos y José Luis Cuevas), Tlatelolco, los multifamiliares Juárez y Miguel Alemán, y el Condominio en la Av. Paseo de la Reforma, el primero de su tipo en el país.

Sin embargo muchos de ellos se vieron truncados por las políticas sexenales, el antagonismo por parte de gobernantes hacia el arquitecto -el presidente mexicano Gustavo Díaz Ordaz pensó que no era mexicano-, la burocracia y los intereses particulares de funcionarios y desarrolladores inmobiliarios como en el caso de Ciudad Satélite. Durante años fue socio del arquitecto Salvador Ortega.

En sus obras más destacadas procuró ligar las artes plásticas con la arquitectura y oportunamente, llamó a colaborar con él a artistas como José Clemente Orozco, Carlos Mérida, Luis Ortiz Monasterio, Armando Quezada, Germán Cueto y otros.

Fue miembro del jurado internacional de la Bienal de Sao Paulo (1951), junto con los arquitectos Siegfried Giedion, de Zurich, y Junzo Sakakura, de Tokio. Fue profesor de composición en la Escuela Nacional de Arquitectura (hoy Facultad de Arquitectura). Recibió el Gran Premio de la Academia Nacional de Arquitectura en (1984) de la que fue miembro y fundador, y el Premio Nacional de las Artes en (1986). Entre otras cosas reinstaló el Premio Alberto J. Pani para estudiantes de arquitectura. 

  

ALVAR AALTO

Hugo Alvar Henrik Aalto, internacionalmente conocido como Alvar Aalto, fue un importante arquitecto y diseñador finlandés. Formó parte del Movimiento Moderno y participó en los CIAM (Congresos Internacionales de Arquitectura Moderna). Ha sido el único arquitecto de la Segunda generación del Movimiento Moderno reconocido como «maestro», equiparándose así a los grandes maestros del Periodo heroico del Movimiento Moderno Le Corbusier, Mies van der Rohe y Gropius. En su honor se concede cada cinco años el premio Medalla Alvar Aalto. 

 

Aalto nació en Kuortane, en el seno de una familia de cultura occidental clásica. Su padre, Johan Henrik Aalto, quien realizaba proyectos medioambientales, le puso en contacto con la protección finlandesa para con la naturaleza. Su madre, Selma Mathilda Hackstedt, era profesora.

Estudió bachiller en Jyväskylä y arquitectura en lo que hoy es la Universidad Politécnica de Helsinki, donde algunos profesores, y en especial Armas Eliel Lindgren, pertenecían al nacionalismo romántico, movimiento artístico que buscaba en las raíces históricas e identitarias de Finlandia para ensalzarla. En 1917 se alistó en la Guerra Civil Finlandesa, concluida en 1918. Después de graduarse en1921 realizó un dilatado viaje de estudios por el norte de Europa.En 1923 abrió su propio estudio de arquitectura en Jyväskylä. En1925 contrajo matrimonio con Aino Marsio, arquitecta que colaboró en varios de sus proyectos. Los dos juntos viajaron por Europa Central e Italia. Durante esa década participó del pensamiento de varias vanguardias, especialmente de la Bauhaus, y estableció contactos con artistas y críticos, entre los que destacó Laszlo Moholy-Nagy. En 1928 fue nombrado miembro de los CIAM, los congresos más importantes de arquitectura moderna, en los que participaban arquitectos de la categoría de Le Corbusier y Sert. También colaboró un tiempo con Erik Bryggman, quien los instó a adoptar una modernidad más pura y funcionalista, enfrentándolo al clasicismo nórdico de sus primeras obras.

En 1927 se trasladó primero a Turku y luego a Helsinki en 1933, siendo ya un arquitecto de cierta reputación. La exposición de muebles en Londres de ese año, organizada por P. Shand, fue la primera de las muchas exposiciones internacionales de su obra, como la del MOMA en 1938. En 1935 su esposa Aino Marsio, Maire Gullichsen y él fundaron la empresa Artek, dedicada a la producción en serie de los diseños de la pareja de arquitectos. Para ella diseñó la primera silla apoyada en una estructura de madera autoportante, que fue patentada. Una de sus piezas clásicas de la producción empresarial es el jarrón Aalto, también llamado Savoy.

Trabajó durante unos años en el extranjero, volviendo a Finlandia en 1940, acabada la Primera guerra ruso-finlandesa. Uno de los sitios donde residió fue Estados Unidos, donde fue nombrado profesor de arquitectura en el Instituto Tecnológico de Massachusetts (MIT por sus siglas en inglés) de Boston. 

En 1942 se le eligió presidente de la Asociación de Arquitectos Finlandeses. Concluida la Segunda guerra ruso-finlandesa en 1944 realizó varios proyectos urbanísticos una vez nombrado jefe de la oficina estatal establecida para la reconstrucción del país. Durante la Segunda Guerra Mundial entró en contacto con el clasicismo nazi de la mano de su principal representante, Albert Speer. Entre 1946 y 1948 vivió en Estados Unidos, subsistiendo como arquitecto y profesor. Entonces conoció a Frank Lloyd Wright.

Antes de la muerte de su primera esposa Aino Marsio, los trabajos publicados en la oficina estaban usualmente firmados como «Aino y Alvar Aalto». Marsio colaboraba directamente como diseñadora en aspectos domésticos de los proyectos. Su carácter paciente y calmado fue un balance importante en la vida impulsiva y poco ortodoxa de la vida de Aalto. En 1949 su esposa Aino Marsio fallece y en 1952 se casó con Elissa Mäkiniemi, al igual que Aino arquitecta y colaboradora, quien dirigió la construcción de los proyectos inacabados a su muerte, acaecida el 11 de mayo de 1976 en Helsinki.

TEODORO GONZALEZ DE LEON

Nació el 29 de mayo de 1926 en la Ciudad de México. Estudió en la Escuela Nacional de Arquitectura de la Universidad Nacional Autónoma de México. De 1942 a 1947 trabajó con Carlos Obregón Santacilia, Carlos Lazo Barreiro y Mario Pani Darqui. Participó en el anteproyecto de la Ciudad Universitaria de la UNAM con los arquitectos Armando Francoy Enrique del Moral. 

Gracias a una beca del Gobierno francés, trabajó durante 18 meses en el taller de Le Corbusier en Francia, a partir de 1947, en donde colaboró como residente en la Unité d'Habitation de Marsella.

La mayor parte de su obra se concentra en la Ciudad de México, realizada durante décadas en conjunto con Abraham Zabludovsky (1924–2003), conservando ambos despachos importantes y colaborando en sociedad a nivel práctico.

Arquitecto de renombre internacional fue congruente con una amplia visión del movimiento moderno, convencido de la estética de la abstracción. Autor de obras de gran tamaño muchas de ellas en la Ciudad de México, famoso por el uso del concreto cincelado en enormes bloques minimalistas que le impusieron un sello característico en todas sus obras. Algunos autores lo denominan brutalista.

Fundador de una corriente de pensamiento arquitectónico consumada en México basada en la honestidad del material, la simpleza en la composición y la abstracción. Su obra hace una genuina referencia involuntaria a grandes ejemplos de arquitectura prehispánica como Teotihuacán y Monte Albán.

Estuvo casado con la poeta, traductora, editora y crítica literaria uruguayo-mexicana Ulalume González de León, con quien tuvo tres hijos.

Su personalidad arquitectónica es conocida como sello distintivo en la Ciudad de México con la utilización de grandes bloques de concreto cincelado, la gran escala y el minimalismo en su obra arquitectónica. El Auditorio Nacional, el Museo Tamayo y el Conjunto Urbano Reforma 222 son algunas de sus obras más importantes, mismas que se han convertido en símbolo y referencia de la Ciudad de México. Su experiencia arquitectónica en la ciudad le convenció de que “La Ciudad de México es complejísima, sucia, corrupta, pero de una intensidad inigualable. Puedes visitar ciudades europeas bellísimas que son pequeños cementerios de calles vacías”. 

Teodoro González de León no solo fue reconocido en México, sino también a nivel internacional. Tuvo el nombramiento de miembro honorario del American Institute of Architects, la Academia de Artes, la Academia Internacional de Arquitectura y del Colegio Nacional.

Murió en su casa, en la Ciudad de México en la madrugada del 16 de septiembre de 2016, sus restos fueron depositados en el Panteón Francés

LOUI KAHN

“La elección de la estructura es sinónimo de la elección de la luz que da forma a ese espacio. La luz artificial es sólo un breve momento estático de la luz, es la luz de la noche y nunca puede igualar a los matices creados por las horas del día y la maravilla de las estaciones.”  
  

Louis Isadore Kahn (su nombre original era Itze-Leib Schmuilowsky) (20 de febrero de 1901 – 17 de marzo de 1974) fue un renombrado arquitecto asentado en Filadelfia (Estados Unidos). Después de trabajar en varios estudios en esa ciudad, fundó el suyo propio en 1935. Al mismo tiempo que dirigía su estudio se dedicó también a la crítica del diseño y a la docencia en la Escuela de Arquitectura de la Universidad de Yale de 1947 a 1957. Desde este último año, 1957 hasta su muerte fue profesor de Arquitectura en la Escuela de Diseño en la Universidad de Pensilvania. El estilo de Kahn, influenciado por las antiguas ruinas, tiende a la monumentalidad y al monolitismo, a la intemporalidad. Sus edificios no esconden su peso, sus materiales o su forma de construirse. 

Kahn nació en Kuressaare en la isla de Saaremaa en Estonia el 20 de febrero 1901 en el seno de una humilde familia judía. Cuatro años más tarde su familia emigró a los Estados Unidos, temiendo que su padre fuera reclutado por el ejército durante la guerra ruso-japonesa. Louis Kahn se crio en Filadelfia y adquirió la nacionalidad norteamericana el 15 de mayo de 1914.

Fue educado en una rigurosa tradición Beaux-Arts, con su énfasis en el dibujo, en la Universidad de Pensilvania. Después de graduarse en 1924, Kahn viajó por Europa y se instaló en la ciudad medieval amurallada de Carcasona, en lugar de quedarse en las cunas delclasicismo o del modernismo. En 1925–1926 Kahn fue diseñador jefe de la Exposición del sesquicentenario. A partir de 1947 enseñó durante una década en la Universidad de Yale, en la que gozó de una gran influencia. Posteriormente se trasladó a la Universidad de Pensilvania. Entre sus alumnos se encuentran Moshe Safdie y Robert Venturi.

Murió el 17 de marzo de 1974 de un ataque al corazón en los servicios de la estación de Pensilvania de Nueva York. Acababa de regresar de un viaje de trabajo en la India. 

Kahn siempre se involucró profundamente en todos sus trabajos. Reinterpretó el estilo internacional de forma poco convencional, inspirándose a menudo en la arquitectura antigua. Sus trabajos reflejan su interés por la luz y los materiales. Isamu Noguchi se refirió a él como "un filósofo entre arquitectos".

No poseía ningún parentesco con su colega y compatriota Albert Kahn.Kahn tuvo tres familias con tres mujeres diferentes: su esposa Esther, su compañera de trabajo Anne Tyng, y con Harriet Pattison. Su hijo con esta última, Nathaniel Kahn, retrató la vida del arquitecto en un documental titulado "Mi arquitecto: el viaje de un hijo", que fue nominado al Oscar en 2003. En él participaron renombrados arquitectos como B.V.Doshi, Frank Gehry, Philip Johnson, I. M. Pei, y Robert Stern, pero también muestra sus complejas relaciones familiares, así como las inusuales circunstancias de su muerte. 

OSCAR NIEMEYER

Seguidor y gran promotor de las ideas de Le Corbusier, es considerado uno de los personajes más influyentes de la arquitectura moderna internacional. Fue pionero en la exploración de las posibilidades constructivas y plásticas del hormigón armado.

Dentro de sus principales proyectos arquitectónicos destaca la construcción de Brasilia como nueva capital de su país durante losaños 1960. Niemeyer fue el principal responsable de algunos icónicos edificios públicos de la ciudad, como el Congreso Nacional de Brasil, la Catedral de Brasilia, el Palacio de Planalto y el Palácio da Alvorada. Fue también uno de los principales responsables del equipo que diseñó la Sede de la Organización de las Naciones Unidas en Nueva York. 

Hijo de Oscar de Niemeyer Soares y de Delfina Ribeiro de Almeida, Oscar Niemeyer nació en la ciudad de Río de Janeiro en 1907, en el barrio de Laranjeiras, en una calle que después recibiría el nombre de su abuelo, Ribeiro de Almeida. Pasó su juventud como el típico carioca bohemio de la época, sin preocupaciones por su futuro. Concluyó la educación secundaria a los 21 años. Ese mismo año, se casó con Annita Baldo, hija de inmigrantes italianos de Padua. El matrimonio le dio sentido de responsabilidad, decidió trabajar e ingresar a la universidad.

Comenzó a trabajar en el taller de tipografía de su padre y entró en la Escuela de Bellas Artes (Brasil), de donde se graduó como ingeniero arquitecto en 1934. A pesar de las dificultades financieras por las que estaba atravesando, decidió trabajar gratis en el estudio del arquitecto Lúcio Costa y Carlos Leão. Niemeyer se sentía insatisfecho con la arquitectura existente en la ciudad y decidió que podía encontrar una carrera en ese nicho.

En 1945, ya como un arquitecto de cierta reputación, se unió al Partido Comunista de Brasil. Niemeyer era sólo un niño en la época de la Revolución Rusa de 1917, y por motivo de la Segunda Guerra Mundial se convirtió en un joven idealista. Fue un comunista muy entusiasta, actitud que le costaría caro más tarde en su vida. Fidel Castro una vez dijo: «Niemeyer y yo somos los últimos comunistas de este planeta». Niemeyer visitó laURSS, conoció varios líderes socialistas y se convirtió en amigo personal de algunos de ellos. 

La arquitectura de Niemeyer es también la de los ritmos acelerados de las articulaciones artísticas y técnicas que convergen hacia la amplia plenitud de las composiciones más diversas. A través de la construcción, su arquitectura transmite el espíritu de la existencia y de la búsqueda de mutaciones prodigiosas. Por otra parte, cabe decir que en estas conexiones Niemeyer idea, distribuidas según un método razonado, sus temas y sus composiciones se inscriben en la realidad de sus respectivas justificaciones.

Son el resultado de conceptos capitales y de ellos extrae conclusiones que se proyectan hacia el futuro. Obras maestras tales como las casas unifamiliares del arquitecto en Río de Janeiro y Mendes; en Pampulha, Belo Horizonte, el Casino, la capilla católica y el Yacht Club; el conjunto COPAN (en Sao Paulo); el Ministerio de Educación y Sanidad (en Río de Janeiro); la residencia del presidente Kubitschek en Pampulha; y, en Brasilia, el complejo del Congreso Nacional, la Catedral y el Palacio de la Alborada, por ejemplo, están ahí para instruirnos.

REM KOOLHAAS

Remment Lucas Koolhaas nació en Róterdam y vivió durante cuatro años de su adolescencia en Indonesia. Terminados sus estudios escolares, hijo de un escritor y nieto de un arquitecto, absorbe ambas profesiones para desarrollarlas a lo largo de su vida. Se dedicó inicialmente al periodismo, trabajando en un rotativo de La Haya. Posteriormente estudió arquitectura en la Architectural Association de Londres.  

Una vez regresado a los Países Bajos, Koolhaas estableció en 1975 su despacho de arquitectura junto con tres socios (entre ellos, Madelon Vriesendorp, su esposa), al que le dio el nombre de Office for Metropolitan Architecture (OMA). Recientemente OMA segregó una parte de sus labores en una segunda oficina AMO. 

Koolhaas es un arquitecto que proyecta edificios de clara consistencia física, en los que la masa adquiere un carácter predominante.

En 2000 Koolhaas recibió el premio Pritzker, el galardón internacional más importante de arquitectura.

Actualmente el estudio OMA emplea a 100 arquitectos y diseñadores, que trabajan en numerosos proyectos en todo el mundo. El más importante que se ha desarrollado recientemente es la nueva sede de la televisión china junto a un centro cultural, que suman en total 550.000 metros cuadrados, y que se ha construido coincidiendo con los Juegos Olímpicos de Pekín 2008.

Koolhaas es también un teórico de la arquitectura y ha publicado varios libros. Entre los más importantes se encuentran: "S, M, L, XL", "Mutaciones", "Content" y "Delirious New York: A Retroactive Manifesto for Manhattan".

Otra de las facetas de Koolhaas y de las que quizás sea más importante es su labor como urbanista, entre los que predomina su especial predilección por el uso de la congestión en sus obras, como en los proyectos para Lille o para Melun Senart, y su gusto hoy día por las ciudades asiáticas.

Ha impartido clases en varias escuelas y universidades. Desde 2000 es profesor invitado en la Universidad Harvard, probablemente sea en estos momentos el arquitecto más influyente y contundente del panorama internacional.

TAPETE CUADRICULADO

El objetivo de esta actividad es poder hacer un tapate cuadriculado con la finalidad de tener mejor pulso al cortar utilizando  las herremientas nececesarias para hacerlo, las cuales ocupamos: 1/8 de papel bateria delgado, lapiz 2H, un exacto olfa de 9mm y escuadras. 

  

En el 1/8 de papel bateria comenzamos trazando cuadros de 1x1 hasta llenarlo todo, despues apoyandonos de nuestra escuadra  empezamos a cortar con el exacto olfa siguiendo en este caso un patron asignado para el tapete cuadriculado, ya que era necesario en este caso seguir un patron fuimos cortando para aprender a cortar con pulso y precicion para activividades futuras y asi ir mejorando la precicion y pulso al realizar un corte.  

 

Al ir cortando trataba de cortar con precicion para que los cortes salieran sin rasgarse del papel y no dejara pelitos. Aunque algunos de ellos se rasgaron un poco trataba de hacerlo mejor.

Despues de unas horas al ir cortando pude terminarlo con mucho esfuerso  y presicion este fue mi resultado, algunos cuadros no fueron cortados perfectamente pero logre que casi todos fueran cortados con un poco de precion.

Al realizar esta actividad de  cortes me senti al principio un poco frustrada por no poder realizar los cortes perfectamente sin rasgarse del papel, pero al ver mi resultado obtenido me senti muy satisfecha con lo que habia logrado puesto que era la primera vez que cortaba con un tipo de papel como este,  y asi pude aprender que no importa si sabes o no solo estas desaprendiendo para aprender ya que en  este caso es muy importante poder  realizar los cortes  con la precision y pulso adecuados para mas adelante manejarlo con mas facilidad y perfeccion. 

CIRCULOS Y CONOS A MANO ALZADA

El objetivo de esta actividad es trazar circulos a mano alzada para mejorar nuestra calidad de linea y pulso para asi poder hacer mejores trazos.  

 En un 1/4 de papel mantequilla empesamos a hacer uso de nuestro lápiz  al trazar circulos de diferentes tamaños  no importaba si no estaban perfectamente hechos al igual que no importaba cuantas laminas hiciéramos al trazar círculos, ya que, era necesario soltar nuestra mano y nuestro pulso para así poder sentirnos satisfechos de nuestro trabajo obtenido. 

En la primera lamina comence haciendo circulos un  poco grandes y pequeños , al igual que remarcados un poco para asi mejorar el pulso y la calidad de linea empece a desplazar mi lapiz  asta llenar toda la hoja de circulos.





En la segunda lamina ya mi mano se iba desplzando mas y mas, haciendo circulos de diferentes tamaños pero ya menos  remarcados. 
   

En la clase tuvimos la actividad de coevaluacion y evaluacion, mi coevaluacion que yo obtuve fue en total de 30/30 , desde mi punto de vista fue bueno porque cumpli con los objetivos que se tratron en la actividad, mis trazos fueron mejorando y me senti  muy satisfecha con mi trabajo.

calificacion 30/30

Al igual que la evaluacion que me hiso mi compañera,fue de acuerdo con los puntos que tratamos en la actividad, lo que me llevo a sentirme satisfecha con mi trabajo obtenido. 

Al realizar la actividad me senti muy satisfecha con mi trabajo que habia obtenido al desplazar mi lapiz y hacer circulos a mano alzada, sin seguir ningun orden , y hacer las laminas necesarias ya que en este caso esta desaprendiendo para aprender.



El obejetivo de esta actividad es realizar trazos a mano alzada en este caso son conos y , para mejorar la calidad de linea y el pulso sin seguir ningun patron ni regla. 

En un 1/4 de papel mantequilla comenzamos a trazar conos de diferentes tamaños sin importar cual fuera el resultado fuimos soltando la mano asta llegar al punto de  llenar nuestra hoja. Y asi obtener conos no perfectamente hechos pero los necesarios para sentirnos satisfechos. 

  
 

calificacion 30/30

calificacion total 60/60

Al realizar la actividad me senti muy satisfecha con el trabajo obtenido al trazar conos ya que no importaba las laminas que hicieras pues eran las necesarias,para  asi poder practicar y mejorar la calidad de linea para despues tener un buen  manejo y uso de esta. 


La coevaluacion que obtuve fue un total de 30/30  ya que cumpli de acuerdo a los diferentes puntos que se trataron que son: formato, limpieza y calidad de linea. Lo que me hiso sentir satisfecha con mi tarbajo obtenido en clase. 

Al igual que la coevaluacion obtuve el mismo resultado en evaluacion lo que hace seguir esforzandome para seguir cumpliendo con los puntos asignados y seguir mejorando la calidad de linea y el pulso para seguir desaprendiendo para aprender.

ENRIQUE CARBAJAL "SEBASTIAN"

Enrique Carbajal “Sebastián” nació el 16 de noviembre de 1947 en Ciudad Camargo, chihuahua . Su familia la forman su madre, Soledad; su abuela, Ramona, sus hermanos Raymundo y Ramón Carbajal quien hace las veces de su padre. Y desde finales de los años sesenta empezó a crear una obra escultórica única en la tradición mexicana y latinoamericana. Su vocación constructiva, alimentada por los principios del arte cinético, se expresó inicialmente en la creación de esculturas transformables, o desdoblables.  

En 1965 Enrique Carbajal ingresa en la Academia de San Carlos y aunque se hospeda cerca también en el centro de la ciudad hace de la Academia su casa. Son días de impronta para el joven artista, de eventos que lo llevan a transformar su propio nombre. Todo empieza cuando se queda dormido en su clase de pintura y el maestro lo toma de modelo, como un “Sebastián de Botticelli( San Sebastian )”. Un par de años más tarde, en una cena ofrecida por los republicanos españoles a “Luis echeverria alvarez”—a la que Enrique Carbajal había sido invitado como artista joven , el poeta Carlos Pellicer se acerca a Enrique y le comenta <<Usted parece salido de Sebastián Botticelli>>. Poco después una periodista francesa lo describe como un Sebastián de Mantegna. Imposible desoír tantas señales. Sin dudar, Enrique Carbajal adopta el nombre que lo hace ser famoso: “Sebastián”  

Poco después estudió en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM). Con persistencia y con profundo reconocimiento paraHenry Moore y Pablo Picasso, ganó el primer lugar en la Exposición Anual de 1965 en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la UNAM. El 2 de octubre de 1968 fue detenido como cientos de estudiantes más durante la Matanza de Tlatelolco y fue remitido al Campo Militar Número 1  

Desde 1968, cuando comenzaron sus inicios como artista, ha realizado más de 120 exposiciones individuales en México, Alemania, Bélgica, Brasil, Colombia, España, Holanda, Suecia, Noruega, Irlanda, Inglaterra, Portugal, Italia, Dinamarca, Canadá, Finlandia, Estados Unidos, Francia, Japón, Suiza y Venezuela.

Entre los numerosos premios que ha recibido se pueden mencionar el Superior Prize que le otorgó el Hakone Open Air Museum de Japón dentro del concurso en homenaje a Henry Moore; el premio de bronce de la ABC Ashi Broadcasting Coportation de Osaka; el premio del Jurado de la Trinental Internacional Gráfica de Noruega, el gran premio de Oro del concurso ORC- City y también de Osaka y, en el ámbito de la pintura, el premio Mainichi de la Tirenal de Pintura del a misma ciudad japonesa. Así mismo, Ganó el concurso para crear una escultura que es el símbolo de la ciudad de Sakai, en Japón, en donde desde 1994 se levanta su pieza monumental Arco Fénix.En 1995 ganó el concurso para construir el símbolo de la ciudad de Kadoma, en Japón, con su pieza Tsuru, que es un haiku escultórico, inaugurada en el mes de junio de 1996 en aquella ciudad. Su producción escultórica abarca lo mismo en pequeño formato que el de tamaño medio y la escultura monumental urbana. En este último ámbito su creación más conocida es su Cabeza de Caballo, conocida como “El Caballito de Sebastián”, localizada en el centro de la Ciudad de México. Pero existen esculturas suyas en el estado de Nuevo León (La Puerta de monterrey), Tabasco, Morelos, Guerrero, Chiapas y Michoacán. Varias ciudades latinoamericanas poseen también esculturas monumentales de Sebastián: Kingstown, Buenos Aires, La Habana, Montevideo y Rio de Janeiro. Así mismo, la presencia geométrica de su producción se levanta en sitios clave de Alburquerque, Denver, Englewood y New York en Estados Unidos y Europa hay piezas suyas en Berna y en Islandia.

Tambien una de sus obras fue "La Araucaria" la escultura simboliza la "V" de veracruz, la "X" de xalapa y representa un arbol de araucaria, mide 32 metros y un peso de 130 toneladas. El cual fue adoptda por la capital veracruzana como su simbolo. 

imparte cursos, talleres y conferencias en diversas universidades e instituciones tanto de México como del extranjero, entre ellas la Universidad Tecnológica deTijuana que impartió una conferencia el 26 de marzo de 2015.  

http://www.latinamericanart.com/es/artistas/enrique-carbajal-gonzalez-sebastian/biografia.html

https://es.wikipedia.org/wiki/Enrique_Carbajal